No hemos visto lo último de Cher

Después de un tiempo sin escribir en el blog debido al trabajo y otros temas, quiero aprovechar el título del último éxito de Cher, You haven’t seen the last of me, (literalmente No habéis visto lo último de mí) para volver a decir "presente" en el mundillo blog. Y lo hago de la mano de esta legendaria diva de la música no por casualidad.

Y es que la artista californiana está hoy de doble celebración gracias a esta canción, incluida en la banda sonora de la película Burlesque. Por un lado acaba de ser premiada junto a la compositora Diane Warren con el Globo de Oro al Mejor Tema Original. Y por otro, ha establecido un récord histórico –y probablemente insuperable- en el terreno musical: alcanzar el #1 en la famosa lista Billboard norteamericana en 6 décadas diferentes (60, 70, 80, 90 y las dos primeras del siglo XXI). ¡Toda una hazaña!

Cher saltó a la fama en los años 60 junto a su entonces marido, el productor Sonny Bono, formando una de las parejas artísticas más importantes de la época. Primero conquistaron las radios de todo el mundo al ritmo de I got you babe y The beat goes on para continuar posteriormente con un éxito igual de arrollador en televisión con su propio programa, The Sonny & Cher Comedy Hour.

En los 70 comenzó su carrera en solitario, cosechando nuevamente las mieles del éxito con temas como Gypsies, tramps & thieves, Dark lady, Half-bread o Take me home. Durante los primeros años de la década de los 80 mantuvo un perfil bajo en el mundo de la música pero se centró en el cine con gran éxito de crítica en películas como Silkwood (Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto), Máscara (Palma de Oro en el Festival de Cannes), Sospechoso, Las brujas de Eastwick o Hechizo de luna (Óscar a la Mejor Actriz).

A finales de la década retomó con fuerza su carrera musical con el disco Cher (1987) del que se desprendieron los éxitos I found someone, We all sleep alone y la nueva versión del clásico Bang bang. Pero sería su siguiente trabajo discográfico, Heart of stone (1989) el que la devolvería a primera línea de actualidad gracias sobre todo al tema If I could turn back time, cuyo videoclip tiene el peculiar mérito de ser el primero baneado por el canal MTV debido a la provocativa indumentaria de la cantante.



En los 90 su carrera perdió fuerza en Estados Unidos pero continuó a buen ritmo en Europa gracias a la repercusión de canciones como After all, Just like Jesse James o la archiconocida Shoop shoop song (It’s in his kiss). Sin embargo Cher era ya más conocida en esta época por sus constantes operaciones de cirugía estética, sus vídeos de aerobic y algunos anuncios para televisión.



En 1998, a instancias de su discográfica, Cher cambió de registró para pasar del pop-rock al dance más absoluto con Believe. El álbum fue #1 en 23 países y de él se vendieron más de 20 millones de unidades y otros 10 de singles, convirtiéndose en el éxito más grande de su carrera. Posteriormente publicó Living proof (2001), en la misma línea estilística que su predecesor, y se embarcó en The Farewell Tour (2002-2005). La gira se convirtió en la más exitosa realizada por una solista femenina, con 326 conciertos por todo el mundo en los que se recaudaron más de 250 millones de dólares.



En los últimos años Cher sólo nos ha deleitado con un recopilatorio, The Very Best Of Cher (2003), y una larga serie de conciertos -contrato multimillonario mediante- en el Caesars Palace de Las Vegas. Aunque desde finales de 2010 ha vuelto a la palestra con la película Burlesque, junto a Christina Aguilera. Cinta que no es ni mucho menos de lo mejor de su carrera pero que, dado el éxito de la banda sonora y la alabada interpretación de Cher, demuestra que aunque la legendaria intérprete pueda estar algo obsesionada con las operaciones o ser carne de cañón de la prensa amarilla por su hijo transexual, sigue siendo la artista incombustible, camaleónica y original de siempre. ¡Y prepara nuevo disco!

Fotografía: Norman Jean Roy

Gloria Estefan: Abriendo Puertas (1995)

Hoy quiero recomendaros un álbum perfecto para las fechas navideñas que se avecinan. Y quiero compartirlo con vosotros porque no sólo es un clásico de la música latina sino que significa mucho para mí, pues fue el disco que me convirtió en fan incondicional de la Estefan y que me sirvió de apoyo en momentos difíciles con su mensaje cargado de alegría y buenos propósitos.

Tras la publicación de su Greatest Hits en 1992, Gloria Estefan -que llevaba casi una década convertida en una de las principales divas del pop anglosajón- dio un giro a su carrera con la publicación de una serie de álbumes destinados a otros mercados, como el latino y el dance, que le sirvieron para experimentar y adentrarse en las raíces de los estilos musicales que habían ejercido una influencia sobre ella como artista. El primero de estos discos fue el archiconocido Mi tierra (1993), que no sólo la consagró como la artista hispana más vendedora de todos los tiempos, sino que recibió el aplauso unánime de la crítica y multitud de premios alrededor del mundo.

Tras el éxito arrollador e inesperado de un disco que era eminentemente latino y tropical, la Estefan decidió repetir la fórmula con nuevos ingredientes con la publicación de Abriendo Puertas en 1995, un álbum que inspirado en la Navidad latina y la fiesta mezcla levemente los sonidos tradicionales de su Cuba natal (salsa, son) con otros colombianos más predominantes (vallenato, cumbia) y que proceden del único compositor de los diez temas, Kike Santander. Aunque probablemente la inclusión de estos últimos ritmos no tiene que ver únicamente con la autoría de Santander sino con explotar un sonido que estaba teniendo gran aceptación a nivel mundial gracias al Clásicos de La Provincia de Carlos Vives. De hecho, uno de los principales músicos de Vives, Luis Ángel "El Papa" Pastor, aporta la autenticidad necesaria al sonido colombiano del álbum junto al famoso acordeonista Gonzalo Arturo "El Cocha" Molina.



El primer single del disco fue el tema que le da nombre, Abriendo Puertas, un híbrido de vallenato y salsa con una letra optimista que alcanzó el #1 en las listas Dance, Latina y Tropical del Billboard norteamericano. Como curiosidad destacar que en el videoclip -que se editó con un estilo casi pictórico- aparece la hija de Gloria, Emily Marie, con sólo unos meses de edad. Así como el citado acordeonista colombiano "El Cocha".



El segundo sencillo fue la balada con influencia de bolero Más Allá, que llegó igualmente al #1 de la lista Latina de Billboard. La canción contiene un mensaje de perdón casi religioso y un arreglo musical que incluye campanas navideñas. Quizá por eso fue elegida por Gloria para cantarla en El Vaticano cuando fue invitada por el Papa Juan Pablo II a la celebración de su 50º Aniversario de sacerdocio. Gloria se convirtió así en la primera artista pop invitada por un pontífice a un evento de estas características. Este tema fue versionado nuevamente en 2007 por la artista, añadiendo un coro infantil para su interpretación en el especial televisivo norteamericano Nuestra Navidad.



El tercer single fue el merengue "pambiche" Tres deseos, que alcanzó también el #1 de la lista Dance de Billboard y que tuvo un original videoclip inspirado en el mundo del circo. Otros temas destacados fueron Farolito (con típico ritmo de currulao colombiano), Dulce amor (cumbia, son, vallenato) y Felicidad (son montuno, chachachá). Entre los músicos destacaron colaboradores habituales del matrimonio Estefan como el trompetista Teddy Mullet, el guitarrista y compositor Juanito Márquez o los percusionistas Edwin Bonilla y Archie Peña.



Abriendo Puertas fue certificado 7x Platino en España, 3x Platino Latino en Estados Unidos, Platino en Europa y Argentina y disco de Oro en Holanda y Estados Unidos. Además, recibió -entre otros honores- un Grammy en la categoría Mejor Interpretación de Música Tropical, 4 premios Lo Nuestro (Álbum Tropical del Año, Canción Tropical del Año, Mejor Artista Tropical y Mejor Artista Pop) y 2 premios Amigo en España (Mejor Álbum Latino y Mejor Solista Latina). Igualmente, gracias en buena medida a las posiciones de varios de los singles del disco en el mercado norteamericano, Gloria fue nombrada Artista Dance del Año por la prestigiosa revista Billboard en 1996.

Con el paso de los años Abriendo Puertas se ha convertido por su excepcional calidad, elegante estilo y originales fusiones en una de las grandes joyas del catálogo discográfico de la Estefan, que mima especialmente sus producciones en español. Quizá no es uno de sus disco más conocidos pero ha vendido hasta la fecha la nada despreciable cifra de más de 3 millones y medio de copias en todo el mundo. ¡Os lo recomiendo encarecidamente para esta Navidad!

Lady Gaga: The Fame Monster (2009)

Hoy os traigo otro ejemplo que ilustra mis prejuicios musicales, Lady Gaga. Hace más de dos años, mientras tomaba algo con unos amigos en una conocida cadena de comida rápida, pusieron su primer videoclip en una de las pantallas del centro comercial en el que nos encontrábamos. Mi primera impresión es que estaba ante otra rubia de bote con aires de diva que intentaba hacer "gorgoritos" y enseñarnos lo buena artista que era…

El problema de las primeras impresiones es que son muy difíciles de cambiar. Tengo que reconocer nuevamente que si no me hubiese molestado en "estudiarla" más, me habría quedado con aquella imagen frívola sobre ella. Además, con el tiempo me he dado cuenta que estamos ante uno de esos raros casos en los que una persona produce una completa admiración o un rechazo total, sin término medio.

Hoy puedo decir que entiendo la perspectiva con la que Lady Gaga ha comenzado su carrera y que le ha reportado tanto éxito. No se trata de una rubia más, ni ha basado su triunfo en el plagio descarado a otros cantantes como Madonna como se ha dicho, tampoco hay que mirarla como alguien que sólo busca llamar la atención. Lady Gaga es probablemente la artista más inteligente que ha llegado a la industria del entretenimiento en décadas. Poseedora de una gran cultura musical, ha escogido los elementos que más le han gustado de otros artistas como la ya mencionada Madonna, David Bowie, Freddie Mercury, Michael Jackson, Grace Jones y otros muchos, para fusionarlos con sus propias ideas y aplicarlos en un acertado plan de promoción ideado por ella misma.

Seamos realistas. Hace muchísimos años que nadie inventa nada nuevo en el terreno musical. Está todo hecho y la única forma de innovar algo es la fusión. Por lo tanto el argumento de la falta de originalidad me parece muy manido y con poca base. Además no me parece justo que se pueda criticar a alguien por ser inteligente y dar con la clave del éxito. Y menos cuando es evidente que cualidades vocales y musicales no le faltan.

Lady Gaga también es la reina de la provocación sí, pero debajo de esa diva excéntrica hay una chica muy normal, con complejos físicos incluso, que es muy consciente de cómo funciona la industria en la que se mueve y la usa en beneficio propio. Probablemente por eso Stefani Joanne Angelina Germanotta -su verdadero nombre- ha creado este personaje llamado Lady Gaga, para que haga todo lo que ella quizá no se atrevería a hacer. Y los resultados no podrían haber sido más espectaculares…

Uno de estos logros ha sido The Fame Monster, que algunos consideran un EP (Extended play), pero que por su concepto, duración y formato en el que se ha editado en muchos países yo lo definiría como su segundo álbum de estudio. Aunque también se ha publicado en una edición doble que incluye el primer álbum. The Fame Monster fue lanzado en noviembre de 2009 y en palabras de la propia Gaga representa el lado oscuro de la fama. Es decir, el contrapunto negativo a su primer disco de estudio, The Fame. Este regusto gótico queda de manifiesto también en las dos portadas que se han usado para el disco.

El álbum es una combinación del sonido electrónico de su antecesor, ciertas dosis de tributo al pop decadente de los 80 y sobre todo una clara revisión del eurodance de los 90. Esta influencia europea le llega de sus propios viajes por el viejo continente pero también de la mano de RedOne, productor de origen marroquí afincado muy joven en Suecia, que lleva el peso de la composición con la propia Lady Gaga y le produce casi todo el disco. RedOne no duda en rendir homenaje al sonido de los tres grupos suecos más importantes de la historia: ABBA, Roxette y Ace of Base.

El primer single fue el potente Bad Romance, que hace referencia a temas tan dispares como la moda o el cine de Alfred Hitchcock (Psicosis, Vértigo, La ventana indiscreta). Y que pese a su título no es una canción de desamor sino de amor incondicional, como demuestra la letra, en la que se acepta lo peor de la personalidad de la pareja. El tema alcanzó el #2 en el Hot 100 norteamericano –mercado en el que despachó más de 4 millones de descargas digitales-, #1 en el Hot Dance Club Songs e igual posición en España, Reino Unido, Suecia, Rumanía, Eslovaquia, Austria, Canadá, Bulgaria, Italia, República Checa, Dinamarca, Finlandia, Hungría, Francia, Alemania, Noruega e Irlanda. El videoclip recibió además 7 premios MTV, entre ellos el de Vídeo del Año.



El segundo single, Telephone, contó con la colaboración de la cantante R&B Beyoncé. El tema está coescrito por el productor Rodney Jenkins (Michael Jackson, Spice Girls, Janet Jackson, Anastacia) y la propia Lady Gaga e inicialmente iba a formar parte de un álbum de Britney Spears, pero fue rechazado. Gaga se inspiró para componerlo en su propio miedo de no disfrutar de la vida por culpa de su carrera. Alcanzó el #3 del Hot 100 de Estados Unidos, #1 en la lista dance norteamericana, Reino Unido, Bélgica, Dinamarca, Noruega e Irlanda. El videoclip es en realidad un corto dirigido por Jonas Akerlund, que continúa la historia del video de Paparazzi, en la estela del estilo de Quentin Tarantino. Recibió un premio MTV en la categoría Mejor Colaboración.



El tercer y último single fue la archiconocida Alejandro, inspirada en el sonido de ABBA y Ace of Base, como queda patente en la inclusión del nombre Fernando en la letra –tema muy conocido de ABBA- o en la base musical, de gran parecido a la de Don’t Turn Around de Ace of Base. La canción se convirtió en el séptimo Top 10 de Lady Gaga en el Hot 100 de Estados Unidos, y nuevamente en #1 en la lista dance norteamericana, Bulgaria, República Checa, Alemania, Finlandia, Polonia, Rumanía y Hungría. El videoclip causó gran controversia por el uso de numerosos símbolos religiosos y militares. También son más que evidentes sus abundantes referencias a la carrera de Madonna.



The Fame Monster ha sido certificado 4x Platino en Rusia y Nueva Zelanda; 3x Platino en Australia y Polonia; 2x Platino en Europa, Francia y Brasil; Platino en Estados Unidos, Bélgica, Finlandia y Hungría. Los tres videoclips suman, además, la increible cifra de 500 millones de visualizaciones en Youtube.

Gloria Estefan: Gloria! (1998)

Gloria Estefan conquistó las listas musicales de todo el mundo en los 80 al frente del grupo Miami Sound Machine con temas como Dr Beat, Conga o Rhythm is gonna get you, que fusionaban el pop con ritmos típicamente latinos y música de baile en una mezcla inédita hasta entonces. Sin embargo la influencia de Gloria era más evidente en baladas como Anything for you, Words get in the way o Can't stay away from you, convertidas igualmente en grandes éxitos.

Ya como solista en la década de los 90, Gloria comenzó a dirigirse a un público más adulto aunque nunca abandonó del todo la música dance gracias a los recurrentes remixes que seguía lanzando de sus singles, fuese cual fuese el estilo del disco. Muchas de estas remezclas realizadas por Tommy Musto, David Morales, Junior Vasquez, Tony Moran, Love To Infinity o Rosabel llegaron a lo más alto de la lista Dance de Billboard, proporcionándole a Gloria una carrera paralela a la pop en los clubes. Este logro fue reconocido por Billboard, que la nombró Artista Dance del año en 1996.

El nombramiento fue la excusa perfecta para que la Estefan se decidiera a publicar un disco de remixes con varios temas nuevos. Algo parecido al formato utilizado por Michael Jackson en su álbum Blood on the dancefloor. Sin embargo, a medida que los colaboradores se iban sumando al proyecto, Gloria se entusiasmó con la idea de publicar un disco bailable pero con temas completamente originales. Este fue el nacimiento de Gloria!, un álbum de impecable factura repleto del buen hacer que la Estefan le imprime a todas sus producciones.



Gloria! sintetizó el pop latino bailable que había lanzado a la fama a Miami Sound Machine en los 80 con un sonido dance contemporáneo y a la vez una fuerte carga nostálgica de música disco inspirada en la de los 70. Se editó en formato disco suite -con los temas encadenados sin pausa- haciendo aún más patente la gran influencia de la música disco, que popularizó ese formato.



El álbum fue producido por Emilio Estefan y contó con colaboradores habituales de la familia como Larry Dermer, Pablo Flores y Kike Santander. Los Estefan se rodearon además de nuevas figuras como Tony Moran, François K, Soul Solution, Hex Hector o Victor Calderone, traídas directamente desde los clubes para lograr un sonido más auténtico en las mezclas y posteriores remixes. Como invitado de lujo Gloria contó con el rapero Wyclef Jean (The Fugees) en el tema Don't release me, adelantándose casi una década a la colaboración con Shakira en Hips Don't Lie que llevaría al músico haitiano a ser número 1 en todo el mundo.

El primer single fue Heaven's what I feel, tema compuesto por Kike Santander para Celine Dion pero que la canadiense rechazó. Fue presentado por Gloria con muy buena acogida en la primera edición del especial Divas Live en Nueva York, convirtiéndose además en su mejor debut en el Hot 100 norteamericano. Corazón prohibido -la versión en español- fue un éxito aún mayor en España, llegando al número 1 en ventas y de la emisora 40 Principales. El tema y sus remezclas recibieron una nominación al Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance en 1999.



Pero el bombazo llegó con Oye, segundo single en España, que se convirtió en la canción del verano. El tema fue #1 en ventas, #1 en 40 Principales y #1 en las listas Dance y Latina de Billboard en Estados Unidos. Gloria recibió además el premio Latin Billboard en la categoría Tema Dance del Año por este sencillo.

En el mercado norteamericano se lanzó Don't Let This Moment End, que incluía como bonus track The 70's "Moment" Medley, un extraordinario popurrí de 16 minutos de versiones de temas disco legendarios: Never can say goodbye (Jackson 5, 1971 - Gloria Gaynor, 1974), I Thought It Took A Little Time (Diana Ross, 1976), If I Can’t Have You (Yvonne Elliman, The Bee Gees, 1977), This Time Baby (The O’Jays, 1978) y Don’t Leave Me This Way (Harold Melvin & The Blue Notes, Thelma Houston, 1976). Gloria recibió otra nominación al Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance por este single y sus remezclas en 2000. En 2009 Don't let this moment end fue versionado por Rebeka Brown, convirtiéndose nuevamente en un éxito en las discotecas españolas.



Otros temas destacados del álbum fueron Cuba libre, un canto a la libertad de su tierra natal; Don't stop, que sirvió también como título al posterior vhs que recogía los videoclips dance más destacados de Gloria y Feelin', cuya remezcla sampleaba un diálogo de la película Animal house (1978), de John Landis.



Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 3 millones de copias, siendo certificado 5x Platino en España, Platino en Argentina y Uruguay y Oro en Estados Unidos, Brasil, Chile y Australia. Gloria! -que hasta la fecha se consideraba una rareza dentro de la discografía de Estefan- tendrá continuidad, pues la cantante cubanoamericana anunció hace unos meses que prepara un nuevo disco en la misma línea que podría ver la luz en 2011.

Shania Twain: Come On Over (1997)

Recuerdo que la primera vez que vi a esta bellísima cantante interpretando uno de los temas del disco que os recuerdo hoy me encontraba jugando una partida de billar en unos multicines con mi amiga Patry -a la que dedico esta entrada- hace más de 12 años. Shania se deslizaba insinuante y decidida por el desierto con su peluca cobriza, su traje de leopardo y sus labios pintados de un rojo explosivo. Me dejó impactado, ya no pude atender a la partida. Además, mi padre me regaló este disco poco tiempo después, así que le tengo especial cariño.

Eilleen Regina Edwards, conocida mundialmente como Shania Twain, nació en Windsor, Ontario (Canadá) el 28 de agosto de 1965. Sus padres se divorciaron cuando ella tenía tan solo 2 años y se trasladó junto a su madre y su hermana a Timmins, otra población de Ontario. Su madre se casó posteriormente con Jerry Twain, un indio Ojibwa, que adoptó a las niñas y dio a la futura estrella su apellido.

La familia vivía en condiciones económicas muy precarias y a veces la madre conducía cientos de kilómetros hasta Ontario para conseguir ayuda y comida en un centro de asistencia. Con 8 años Eilleen comenzó a cantar en bares y restaurantes para ganar algún dinero extra con el que ayudar a su familia. Siendo ya adolescente lideraba un pequeño grupo musical, Longshot, y a la vez trabajaba en un McDonald’s.



A principios de los 80 la cantante country Mary Bailey se convirtió en su mentora y la introdujo de lleno en el mundo de la música. Durante esta época realizó coros y demos para otros cantantes así como pequeñas actuaciones de poca trascendencia. En 1987 su madre y padrastro morían en un accidente de tráfico. Eilleen tuvo que hacerse cargo de sus cuatro hermanos.



En 1993 publicó su primer álbum -ya bajo el nombre de Shania Twain-, con pocas ventas pero críticas positivas, y se casó con su productor Robert John "Mutt" Lange. En 1995 lanzó su segundo disco, The Woman In Me, conquistando por fin las listas de música country, vendiendo millones de copias en Estados Unidos y Canadá y alzándose con un Grammy en la categoría Mejor Álbum de Música Country.

Su gran salto a las listas pop mundiales se produjo con el lanzamiento del disco que hoy repasamos, Come On Over, publicado en 1997. Producido igualmente por su entonces marido "Mutt" Lange y compuesto por ambos, el álbum fusionaba el estilo country con el que Shania se había dado a conocer desde los ochenta con unos arreglos magistrales de pop estándar, para llegar a más público. Se publicaron tres versiones diferentes del disco: la primera con una clara línea country, la segunda en 1998 con nuevos arreglos más cercanos al pop-rock y otra tercera en 1999 con un par de remixes.



El éxito sin precedentes del álbum obligó a lanzar como singles nada menos que 12 de los 16 temas que contenía. Entre ellos destacaron las baladas You’re still the one y You’ve got a way -esta última incluida en la banda sonora de la película de Julia Roberts y Hugh Grant Notting Hill-, las enérgicas Man! I feel like a woman! y That don’t impress me much y las canciones típicamente country Don’t be stupid (You know I love you) y Come on over.



El álbum fue certificado 20x Platino en Estados Unidos, 17x Platino en Nueva Zelanda, 15x Platino en Australia, 11x Platino en Reino Unido, 7x Platino en Europa, 6x Platino en Noruega, 5x Platino en Holanda, 3x Platino en Suecia y Suiza, 2x Platino en Dinamarca y Bélgica, Platino en Francia y España y Oro en México, Italia, Finlandia y Brasil. Shania recibió por este disco, entre otros, 4 premios Grammy y 3 American Music Awards. Hasta la fecha se han vendido casi 40 millones de copias, siendo el disco más vendido de la historia por una solista femenina y el álbum country más vendido de todos los tiempos.

Cher: Believe (1998)

Cher nació en El Centro (California) el 20 de mayo de 1946. Su padre era un camionero de origen armenio y su madre una aspirante a actriz y modelo que se casó ocho veces y le dio a Cher y a su hermanastra un estilo de vida inestable que probablemente la marcó de por vida.

Con tan sólo 16 años se marchó a Los Ángeles para estudiar interpretación pero tuvo que desistir debido a sus problemas de dislexia. En 1963 conoció al entonces joven productor musical Sonny Bono, con el que terminaría casándose y formando uno de los dúos musicales más famosos de todos los tiempos: Sonny y Cher.

Durante los 60 y 70 Cher alcanzó la fama mundial como cantante con una interminable lista de éxitos: I Got You Babe, The Beat Goes On, All I Really Want To Do, Bang Bang, Gypsies Tramps & Thieves, Dark Lady, Half-Bread... y como presentadora con uno de los programas más vistos de América, The Sonny & Cher Comedy Hour.

Tras su divorcio de Sonny en 1975 su carrera se volvió muy irregular y comenzaron los altibajos personales y profesionales con la publicación de discos de perfil modesto. Sin embargo consiguió centrarse en el cine durante los 80 con gran éxito de crítica en películas como Silkwood, Máscara, Las brujas de Eastwick, Sospechoso o Hechizo de luna, con la que consiguió el ansiado Óscar a la mejor actriz.



En el terreno musical tan sólo el álbum Heart Of Stone de 1989 le había devuelto el prestigio como cantante con los éxitos If I Could Turn Back Time, After All o Just Like Jesse James pero para entonces se hablaba más de Cher por sus constantes operaciones de cirugía estética, sus sonados romances con actores y músicos mucho más jóvenes que ella y su aparición en anuncios de televisión promocionando los más variopintos productos. Tuvieron que pasar 9 años para que Cher se reinventara y volviera con más fuerza que nunca al panorama musical.



Su discográfica, Warner Bros., le pidió un disco completamente dance, debido al escaso éxito en Estados Unidos de sus últimos álbumes, que tenían una línea pop-rock. Cher comenzó a trabajar en el álbum Believe en el verano de 1998 con los productores Mark Taylor y Brian Rawling.

El demo del tema que daría título al disco, llevaba meses circulando por la discográfica pero nadie quería grabarlo. Mark Taylor decidió conservar el coro y rehacer el resto, por lo que el corte final está compuesto nada menos que por 6 autores diferentes: Brian Higgins, Matt Gray, Stuart McLennen, Tim Powell, Steve Torch y Paul Barry. Believe se caracterizaba por una distorsión en la voz de Cher que le daba un toque casi robótico. El sonido se hizo muy popular y numerosos artistas lo han imitado desde entonces, pasando a la historia musical como el efecto Cher.



El single llegó al #1 en 23 países, incluyendo Estados Unidos, Canadá, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Italia, Suecia, Dinamarca, Suiza y España; convirtiéndose en el mayor éxito de su carrera. También estableció nuevos récords en el mercado norteamericano: artista de más edad -52 años- en llegar a lo más alto de las listas de Billboard y solista con mayor lapso de tiempo entre dos números #1, pues el anterior databa de 1974.

El álbum incluyó también 3 canciones de la famosa compositora Diane Warren, Takin' Back My Heart, The Power y una versión de Love Is The Groove, grabado originalmente por la cantante británica Betsy Cook para su álbum The Girl Who Ate Herself (1991). Cher ya había interpretado temas de Warren en sus discos Heart Of Stone y Love Hurts.

El grueso del disco está compuesto sin embargo por el tándem formado por Mark Taylor y Paul Barry, y en él destacan también los temas Strong Enough, Dov'è L'Amore y All Or Nothing, todos ellos con gran repercusión en las listas dance de todo el mundo. El álbum cierra con un remix del tema We All Sleep Alone, coescrito por Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora para el disco Cher (1987).



Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 20 millones de copias y está considerado uno de los 10 discos más vendidos por una solista femenina. Fue certificado 7x platino en Canadá, 5x platino en Europa, 4x platino en Estados Unidos, España y Dinamarca, 3x platino en Irlanda, Suecia e Italia, 2x platino en Austria, Nueva Zelanda, Suiza, Alemania, Reino Unido, Australia y Francia, Platino en Argentina, Noruega, México, Bélgica y Hungría.

Del single Believe se despacharon más de 10 millones, siendo uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Fue certificado Diamante en Francia, 7x platino en Reino Unido, 3x platino en Estados Unidos, Australia y Suecia, 2x platino en Noruega, Platino en Austria, Holanda y Suiza y 5xOro en Alemania. En 1999 recibió el premio Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance.

Whitney Houston: I Look To You (2009)

El año pasado Whitney Houston nos sorprendió con un nuevo disco tras 6 años desde su último gran lanzamiento discográfico. La cantante llevaba casi una década sumergida en el infierno de las drogas, con graves problemas matrimoniales que acabaron en un sonado divorcio y siendo presa de los tabloides sensacionalistas norteamericanos.

Houston, de 46 años, acalló las críticas con la publicación de I Look To You -su séptimo álbum de estudio- y reapareciendo con una imagen radiante. El disco fue el regreso al mundo de la música más esperado de los últimos años. Para este gran retorno Whitney contó con el apoyo de su mentor, Clive Davis, y de un equipo de compositores magistral entre los que destacan Alicia Keys, R. Kelly, Diane Warren y Akon.

El disco se mueve entre el R&B, soul y tintes pop que siempre caracterizó el estilo de Houston pero con arreglos contemporáneos que le dan completa vigencia. El primer single internacional fue el tema escrito por Alicia Keys, Million Dollar Bill, que con un sonido de la vieja escuela R&B samplea el éxito de Loleatta Holloway We're Getting Stronger (1976). El tema se convirtió en Top 10 en Bélgica, Irlanda, Japón y Reino Unido y #1 de la lista Dance de Billboard.



En Estados Unidos sin embargo se escogió como primer sencillo la canción que da título al disco, I Look To You, un tema escrito por R. Kelly que en palabras de la propia Whitney resume todo lo que ella quiere decir en este momento de su vida y carrera. Es una emotiva balada de gran sencillez donde únicamente destacan la voz cálida de Houston y el acompañamiento del piano.

Los videoclips de ambos temas fueron dirigidos por Melina Matsoukas, una joven realizadora americana conocida por sus trabajos con Beyoncé (Green Light, Suga Mama, Kitty Kat), Jennifer Lopez (Hold It Don't Drop It) o Lady Gaga (Just Dance, Beautiful Dirty Rich).

También destacó la inclusión de una versión -con gran influencia dance- del tema A song for you, un clásico de 1970 del cantautor Leon Russell que ha sido interpretado entre otros por Donny Hathaway, Ray Charles, Aretha Franklin, Cher, Christina Aguilera, Dusty Springfield, The Carpenters, Michael Bublé, Gavin DeGraw, Beyonce, Donna Summer o Simply Red.



El álbum funcionó a la perfección: #1 en Canadá, Alemania, Holanda, Dinamarca, Italia, Polonia, Suiza y Estados Unidos. En este último país Whitney batió su propio récord vendiendo 305.000 copias en su semana de lanzamiento y se convirtió en la artista femenina que más semanas ha mantenido sus discos en el #1.

I Look To You también propició una nueva gira mundial para promocionar el disco, el Nothing But Love Tour, que la ha llevado por Europa, Asia y Australia los últimos 8 meses. Hasta la fecha se han vendido más de 3 millones de copias de este álbum.

Haddaway: The Album (1993)

Alexander Nestor Haddaway es un cantante nacido en Trinidad el 9 de enero de 1965, conocido mundialmente como Haddaway. Irrumpió en la escena dance y pop de Europa en mayo de 1993 con el single What Is Love (Baby Don't Hurt Me) que rápidamente invadió las pistas de baile llegando al #1 en 13 países.

Haddaway es también el título de su primer álbum, publicado en noviembre del mismo año con producción de Junior Torello y D. D. Halligan. El disco contenía además otros Top 10 en Europa como Life (Everybody Needs Somebody To Love), I Miss You y Rock My Heart. Además de una versión de Bob Marley (Stir It Up) y un tema de la reconocida compositora Diane Warren (Tell Me Where It Hurts).

El disco, que fue lanzado en diferentes países con el título The Album, combinaba en una mezcla perfecta Eurodance, House y toques Pop. Es además un caso completamente atípico en la escena eurodance puesto que los solistas y grupos de este estilo raras veces conseguían publicar un disco completo y mucho menos tener tanto éxito con él.



El eurodance es un estilo que se originó en Europa a principios de los 90 influenciado por el house y Hi-NRG norteamericanos y el Italo-Disco europeo. Tuvo su máximo apogeo a mediados de esa década, convirtiéndose en el género dance más comercial porque aunque estaba orientado a las discotecas también encajaba con el tipo de música que radiaban las emisoras musicales.

Haddaway fue gracias a este álbum y algún éxito posterior el solista eurodance más importante de la época. Otros artistas y grupos destacados fueron La Bouche, Alexia, Culture Beat, Rozalla, Captain Hollywood Project, 2 Brothers On The 4th Floor, Real McCoy, Corona, 2 Unlimited y Dr Alban. Todos estos artistas obtuvieron una gran repercusión en radio, lo que propició la aparición de grupos que aunque en esencia eran pop, estaban muy influenciados por el eurodance como los suecos Ace Of Base o los daneses Aqua.



El tema What Is Love de Haddaway puede considerarse el big bang de este estilo y el de mayor éxito en el mercado norteamericano, pues alcanzó el #11 del Billboard Hot 100. Estados Unidos también vivió, aunque de forma diferente, una nueva era de la música dance en esa década como demuestran los recurrentes remixes de divas pop como Madonna, Whitney Houston, Mariah Carey, Tina Turner o los álbumes completamente dance de Cher (Believe) o Gloria Estefan (gloria!).



Haddaway fue #1 con What Is Love en Bélgica, Francia, Holanda, Austria, Finlandia, Irlanda, Noruega, Italia, España y Suiza. También alcanzó el Top 10 en Reino Unido, Alemania y Suecia. Fue certificado single de Oro en Estados Unidos, Suecia y Reino Unido y single de platino en Alemania y Austria.

Desde entonces la canción ha sido versionada y sampleada hasta la saciedad. El sample más reciente es el que incluye el rapero Eminem en el tema No Love, interpretado junto a Lil Wayne en su disco Recovery, de reciente aparición.



Haddaway ha vendido hasta la fecha 30 millones de discos en todo el mundo. Actualmente vive en Alemania y tiene nuevo single en el mercado: You Gave Me Love.

Gloria Estefan: Cuts Both Ways (1989)

A partir de hoy os iré mostrando también algunos de mis discos favoritos. Quiero comenzar con uno de los mejores álbumes de mi cantante preferida, Gloria Estefan. Algún día os contaré cómo me hice fan fatal, que diría Alaska, de la Estefan, mis aventuras y percepción del fenómeno fan y hasta dónde puede llegar el coleccionismo musical.

Gloria tiene en España una imagen de folclórica latina inmerecida. La culpa la tienen las radios españolas que durante los 90 promocionaron únicamente sus temas tropicales y salseros, que pese a ser una parte de su estilo no dejaron ver la verdadera esencia de la artista cantautora en inglés que el resto del mundo sí conoce. Este disco es buena muestra de esto último. Cuando lo descubrí hace más de una década quedé impactado por la energía pop y el sonido ochentero que poco tenían que ver con la Gloria que conocía.

Cuts Both Ways fue el primer disco de Gloria Estefan como solista tras su exitosa etapa al frente del grupo Miami Sound Machine (1975-1988). El álbum fue lanzando en todo el mundo en julio de 1989 y es una mezcla de pop, rock y ritmos latinos. Gloria asumió el peso de la composición, encargándose de la autoría y co-autoría de 9 de los 12 temas del álbum. Precisamente, unos meses previos al lanzamiento del disco, fue nombrada Compositora Pop del Año por BMI, una de las más importantes organizaciones de derechos de autor.

Al igual que sus anteriores trabajos con Miami Sound Machine, fue producido por su esposo Emilio Estefan, esta vez junto a los músicos Jorge Casas (bajista del grupo) y Clay Ostwald (teclista) pues los Estefan rompieron relaciones con The Jerks -el equipo de productores de sus dós álbumes previos- tras desavenencias económicas. El LP contó con las colaboraciones del por entonces desconocido Jon Secada -coros y composición- y de la cantante soul Betty Wright.



El primer single fue la balada Don’t Wanna Lose You que se convirtió en su segundo #1 en el Hot 100 de Billboard. La canción fue nominada al Grammy en la categoría Mejor Interpretación Pop femenina y a un American Music Award como Mejor Single Pop/Rock. Por si fuera poco la Estefan hizo historia interpretando parte del tema en español en la gala de los Grammy.

Otros singles de éxito fueron Here We Are (#6 Hot 100 Billboard), la bailable Get On Your Feet (#11 Hot 100 Billboard) y la reivindicativa Oye Mi Canto que le valió un premio MTV en la categoría Elección de los Espectadores Internacionales. Además, el tema que daba título al álbum, Cuts Both Ways, alcanzó el #1 de la lista Adult Contemporary de Billboard y se convirtió en un bombazo en Australia, siendo certificado single de oro en el país oceánico.



Destacar también que el álbum incluyó dos temas versionados en español: Si voy a perderte (Don't wanna lose you) que llegó al #1 de la lista Hot Latin Tracks de Billboard y Oye mi canto (Hear my voice). En la edición brasileña del disco encontramos también otras tres versiones en portugués: Amor fatal (Your love is bad for me), Toda pra você (Here we are) y Se tenho que te perder (Don't Wanna Lose You), lo cuál demuestra el interés de la artista en llegar al público lusoparlante.



El álbum alcanzó el #1 en Gran Bretaña, Bélgica, Holanda, Irlanda y #6 en Estados Unidos. Fue certificado oro en Suiza y Alemania, Platino en España y Holanda, 3x Platino en Estados Unidos y Gran Bretaña y 4x Platino en Australia. Hasta la fecha se han vendido 11 millones de copias en todo el mundo y es uno de los álbumes más aclamados y exitosos de su carrera.