Lady Gaga: The Fame Monster (2009)

Hoy os traigo otro ejemplo que ilustra mis prejuicios musicales, Lady Gaga. Hace más de dos años, mientras tomaba algo con unos amigos en una conocida cadena de comida rápida, pusieron su primer videoclip en una de las pantallas del centro comercial en el que nos encontrábamos. Mi primera impresión es que estaba ante otra rubia de bote con aires de diva que intentaba hacer "gorgoritos" y enseñarnos lo buena artista que era…

El problema de las primeras impresiones es que son muy difíciles de cambiar. Tengo que reconocer nuevamente que si no me hubiese molestado en "estudiarla" más, me habría quedado con aquella imagen frívola sobre ella. Además, con el tiempo me he dado cuenta que estamos ante uno de esos raros casos en los que una persona produce una completa admiración o un rechazo total, sin término medio.

Hoy puedo decir que entiendo la perspectiva con la que Lady Gaga ha comenzado su carrera y que le ha reportado tanto éxito. No se trata de una rubia más, ni ha basado su triunfo en el plagio descarado a otros cantantes como Madonna como se ha dicho, tampoco hay que mirarla como alguien que sólo busca llamar la atención. Lady Gaga es probablemente la artista más inteligente que ha llegado a la industria del entretenimiento en décadas. Poseedora de una gran cultura musical, ha escogido los elementos que más le han gustado de otros artistas como la ya mencionada Madonna, David Bowie, Freddie Mercury, Michael Jackson, Grace Jones y otros muchos, para fusionarlos con sus propias ideas y aplicarlos en un acertado plan de promoción ideado por ella misma.

Seamos realistas. Hace muchísimos años que nadie inventa nada nuevo en el terreno musical. Está todo hecho y la única forma de innovar algo es la fusión. Por lo tanto el argumento de la falta de originalidad me parece muy manido y con poca base. Además no me parece justo que se pueda criticar a alguien por ser inteligente y dar con la clave del éxito. Y menos cuando es evidente que cualidades vocales y musicales no le faltan.

Lady Gaga también es la reina de la provocación sí, pero debajo de esa diva excéntrica hay una chica muy normal, con complejos físicos incluso, que es muy consciente de cómo funciona la industria en la que se mueve y la usa en beneficio propio. Probablemente por eso Stefani Joanne Angelina Germanotta -su verdadero nombre- ha creado este personaje llamado Lady Gaga, para que haga todo lo que ella quizá no se atrevería a hacer. Y los resultados no podrían haber sido más espectaculares…

Uno de estos logros ha sido The Fame Monster, que algunos consideran un EP (Extended play), pero que por su concepto, duración y formato en el que se ha editado en muchos países yo lo definiría como su segundo álbum de estudio. Aunque también se ha publicado en una edición doble que incluye el primer álbum. The Fame Monster fue lanzado en noviembre de 2009 y en palabras de la propia Gaga representa el lado oscuro de la fama. Es decir, el contrapunto negativo a su primer disco de estudio, The Fame. Este regusto gótico queda de manifiesto también en las dos portadas que se han usado para el disco.

El álbum es una combinación del sonido electrónico de su antecesor, ciertas dosis de tributo al pop decadente de los 80 y sobre todo una clara revisión del eurodance de los 90. Esta influencia europea le llega de sus propios viajes por el viejo continente pero también de la mano de RedOne, productor de origen marroquí afincado muy joven en Suecia, que lleva el peso de la composición con la propia Lady Gaga y le produce casi todo el disco. RedOne no duda en rendir homenaje al sonido de los tres grupos suecos más importantes de la historia: ABBA, Roxette y Ace of Base.

El primer single fue el potente Bad Romance, que hace referencia a temas tan dispares como la moda o el cine de Alfred Hitchcock (Psicosis, Vértigo, La ventana indiscreta). Y que pese a su título no es una canción de desamor sino de amor incondicional, como demuestra la letra, en la que se acepta lo peor de la personalidad de la pareja. El tema alcanzó el #2 en el Hot 100 norteamericano –mercado en el que despachó más de 4 millones de descargas digitales-, #1 en el Hot Dance Club Songs e igual posición en España, Reino Unido, Suecia, Rumanía, Eslovaquia, Austria, Canadá, Bulgaria, Italia, República Checa, Dinamarca, Finlandia, Hungría, Francia, Alemania, Noruega e Irlanda. El videoclip recibió además 7 premios MTV, entre ellos el de Vídeo del Año.



El segundo single, Telephone, contó con la colaboración de la cantante R&B Beyoncé. El tema está coescrito por el productor Rodney Jenkins (Michael Jackson, Spice Girls, Janet Jackson, Anastacia) y la propia Lady Gaga e inicialmente iba a formar parte de un álbum de Britney Spears, pero fue rechazado. Gaga se inspiró para componerlo en su propio miedo de no disfrutar de la vida por culpa de su carrera. Alcanzó el #3 del Hot 100 de Estados Unidos, #1 en la lista dance norteamericana, Reino Unido, Bélgica, Dinamarca, Noruega e Irlanda. El videoclip es en realidad un corto dirigido por Jonas Akerlund, que continúa la historia del video de Paparazzi, en la estela del estilo de Quentin Tarantino. Recibió un premio MTV en la categoría Mejor Colaboración.



El tercer y último single fue la archiconocida Alejandro, inspirada en el sonido de ABBA y Ace of Base, como queda patente en la inclusión del nombre Fernando en la letra –tema muy conocido de ABBA- o en la base musical, de gran parecido a la de Don’t Turn Around de Ace of Base. La canción se convirtió en el séptimo Top 10 de Lady Gaga en el Hot 100 de Estados Unidos, y nuevamente en #1 en la lista dance norteamericana, Bulgaria, República Checa, Alemania, Finlandia, Polonia, Rumanía y Hungría. El videoclip causó gran controversia por el uso de numerosos símbolos religiosos y militares. También son más que evidentes sus abundantes referencias a la carrera de Madonna.



The Fame Monster ha sido certificado 4x Platino en Rusia y Nueva Zelanda; 3x Platino en Australia y Polonia; 2x Platino en Europa, Francia y Brasil; Platino en Estados Unidos, Bélgica, Finlandia y Hungría. Los tres videoclips suman, además, la increible cifra de 500 millones de visualizaciones en Youtube.

Black Eyed Peas: The E.N.D. (2009)

Tengo que reconocer que mis prejuicios me juegan a veces malas pasadas. Y no sólo en lo relativo a algunas personas, también en cuestiones musicales. Por ejemplo con Black Eyed Peas, un grupo de música urbana que durante años me ha parecido producto del marketing, y que he logrado conocer y disfrutar con su último álbum de estudio: The E.N.D.

The Black Eyed Peas (Los guisantes de ojos negros) tienen su origen en una primera agrupación compuesta por dos de sus miembros, William Adams (will.I.am) y Allan Pineda (apl.de.ap), en 1988 cuando iban al instituto. Posteriormente se les unió Dante Santiago y pasaron a denominarse Atban Klann. Dante abandonó la agrupación en 1995 y se incorporaron Jaime Gómez (Taboo) y la corista Kim Hill. Desde entonces se les conoce como Black Eyed Peas.

Durante los 90 se convirtieron en habituales en el circuito de los clubes y ya entonces comenzaron a distinguirse por tener una apariencia alejada de la habitual de los grupos de rap y hip hop. Incluso tocaban con una banda en vivo, algo completamente inusual en su género. A finales de esta década consiguen firmar con Interscope Records y lanzan su primer álbum, Behind the front, que tuvo buenas críticas pero un escaso éxito comercial. En 2000 publicaron su segundo disco, Bridging the gap, y Kim Hill abandonó el grupo.



Tres años más tarde se une a Black Eyed Peas como vocalista la atractiva Stacy Ferguson (Fergie) y el grupo renueva también su sonido acercándolo al pop y a la música electrónica con el disco Elephunk. El álbum tuvo un gran éxito en todo el mundo gracias a los singles Where is the love? (con Justin Timberlake), Shut up, Hey mama o Let’s get it started, con el que consiguieron su primer Grammy.

En 2005 repitieron fórmula con el disco Monkey business y los singles Don’t phunk with my heart, Don’t lie y el archiconocido My hump, copando las listas de ventas de todo el mundo. El grupo también recibió el reconocimiento de la industria musical con dos nuevos premios Grammy, cinco American Music Award y un MTV Europa.

Tras cuatro años sin lanzar material nuevo -debido a varios proyectos en solitario de sus miembros- reaparecieron en junio del año pasado con este disco, The E.N.D (The Energy Never Dies). El álbum fusiona el hip hop de sus orígenes con un pop futurista aderezado con fuertes dosis de música electrónica de última generación. Según el propio will.I.am, está inspirado en el sonido del dúo australiano The Presets. Fue producido, entre otros, por el omnipresente David Guetta (Madonna, Rihanna, Kylie Minogue, Flo Rida), Printz Board (Macy Gray, John Legend, Shakira) y sobre todo por los miembros de Black Eyed Peas, con will.I.am asumiendo el peso de la producción ejecutiva.



El primer single fue el tema que abre el disco, Boom boom pow, que se convirtió en el primer #1 de los Black Eyed Peas en el mercado norteamericano y alcanzó igualmente la misma posición en Reino Unido y Australia. Por si fuera poco, la composición fue nombrada Canción del año por la revista Billboard y el videoclip fue premiado con un Grammy.

I gotta feeling fue el segundo single y reemplazó a Boom boom pow en el #1 de Estados Unidos, consiguiendo otra vez el #1 en Australia y Reino Unido. La canción cuenta con la producción de David Guetta, al que muchos consideran clave en su éxito. I gotta feeling se convirtió en el tema más descargado de iTunes en Estados Unidos, con más de 6 millones de descargas legales. Además fue premiado con un Grammy en la categoría Mejor interpretación pop por un dúo/ grupo y se ha convertido en su tema estrella.



Otros temas destacados del disco fueron Rock that body -que samplea la frase "I wanna rock right now" del tema It takes two del dúo hip hop Rob Base and DJ E-Z Rock y que se convirtió en Top 10 en Estados Unidos-; Meet me halfway -con el que conquistaron por tercera vez consecutiva las listas británicas- y el que sería su último #1 norteamericano, Inma Be. El álbum recibió además el premio al Mejor álbum vocal pop en la última edición de los premios Grammy.

The E.N.D. fue número 1 en Estados Unidos, Australia, Reino Unido, Canadá, Bélgica, Portugal, Francia y Nueva Zelanda. Ha sido certificado 5x Platino en Canadá; 4x Platino en Reino Unido y Australia; 3x Platino en Europa y Francia; 2x Platino en Estados Unidos, Suiza y Nueva Zelanda; Platino en México, Italia, Japón, Portugal, Alemania y Brasil y Oro en Rusia. Hasta la fecha se han vendido 11 millones de copias, lo que lo convierte en el álbum más exitoso de su carrera.

Shania Twain: Come On Over (1997)

Recuerdo que la primera vez que vi a esta bellísima cantante interpretando uno de los temas del disco que os recuerdo hoy me encontraba jugando una partida de billar en unos multicines con mi amiga Patry -a la que dedico esta entrada- hace más de 12 años. Shania se deslizaba insinuante y decidida por el desierto con su peluca cobriza, su traje de leopardo y sus labios pintados de un rojo explosivo. Me dejó impactado, ya no pude atender a la partida. Además, mi padre me regaló este disco poco tiempo después, así que le tengo especial cariño.

Eilleen Regina Edwards, conocida mundialmente como Shania Twain, nació en Windsor, Ontario (Canadá) el 28 de agosto de 1965. Sus padres se divorciaron cuando ella tenía tan solo 2 años y se trasladó junto a su madre y su hermana a Timmins, otra población de Ontario. Su madre se casó posteriormente con Jerry Twain, un indio Ojibwa, que adoptó a las niñas y dio a la futura estrella su apellido.

La familia vivía en condiciones económicas muy precarias y a veces la madre conducía cientos de kilómetros hasta Ontario para conseguir ayuda y comida en un centro de asistencia. Con 8 años Eilleen comenzó a cantar en bares y restaurantes para ganar algún dinero extra con el que ayudar a su familia. Siendo ya adolescente lideraba un pequeño grupo musical, Longshot, y a la vez trabajaba en un McDonald’s.



A principios de los 80 la cantante country Mary Bailey se convirtió en su mentora y la introdujo de lleno en el mundo de la música. Durante esta época realizó coros y demos para otros cantantes así como pequeñas actuaciones de poca trascendencia. En 1987 su madre y padrastro morían en un accidente de tráfico. Eilleen tuvo que hacerse cargo de sus cuatro hermanos.



En 1993 publicó su primer álbum -ya bajo el nombre de Shania Twain-, con pocas ventas pero críticas positivas, y se casó con su productor Robert John "Mutt" Lange. En 1995 lanzó su segundo disco, The Woman In Me, conquistando por fin las listas de música country, vendiendo millones de copias en Estados Unidos y Canadá y alzándose con un Grammy en la categoría Mejor Álbum de Música Country.

Su gran salto a las listas pop mundiales se produjo con el lanzamiento del disco que hoy repasamos, Come On Over, publicado en 1997. Producido igualmente por su entonces marido "Mutt" Lange y compuesto por ambos, el álbum fusionaba el estilo country con el que Shania se había dado a conocer desde los ochenta con unos arreglos magistrales de pop estándar, para llegar a más público. Se publicaron tres versiones diferentes del disco: la primera con una clara línea country, la segunda en 1998 con nuevos arreglos más cercanos al pop-rock y otra tercera en 1999 con un par de remixes.



El éxito sin precedentes del álbum obligó a lanzar como singles nada menos que 12 de los 16 temas que contenía. Entre ellos destacaron las baladas You’re still the one y You’ve got a way -esta última incluida en la banda sonora de la película de Julia Roberts y Hugh Grant Notting Hill-, las enérgicas Man! I feel like a woman! y That don’t impress me much y las canciones típicamente country Don’t be stupid (You know I love you) y Come on over.



El álbum fue certificado 20x Platino en Estados Unidos, 17x Platino en Nueva Zelanda, 15x Platino en Australia, 11x Platino en Reino Unido, 7x Platino en Europa, 6x Platino en Noruega, 5x Platino en Holanda, 3x Platino en Suecia y Suiza, 2x Platino en Dinamarca y Bélgica, Platino en Francia y España y Oro en México, Italia, Finlandia y Brasil. Shania recibió por este disco, entre otros, 4 premios Grammy y 3 American Music Awards. Hasta la fecha se han vendido casi 40 millones de copias, siendo el disco más vendido de la historia por una solista femenina y el álbum country más vendido de todos los tiempos.

Cher: Believe (1998)

Cher nació en El Centro (California) el 20 de mayo de 1946. Su padre era un camionero de origen armenio y su madre una aspirante a actriz y modelo que se casó ocho veces y le dio a Cher y a su hermanastra un estilo de vida inestable que probablemente la marcó de por vida.

Con tan sólo 16 años se marchó a Los Ángeles para estudiar interpretación pero tuvo que desistir debido a sus problemas de dislexia. En 1963 conoció al entonces joven productor musical Sonny Bono, con el que terminaría casándose y formando uno de los dúos musicales más famosos de todos los tiempos: Sonny y Cher.

Durante los 60 y 70 Cher alcanzó la fama mundial como cantante con una interminable lista de éxitos: I Got You Babe, The Beat Goes On, All I Really Want To Do, Bang Bang, Gypsies Tramps & Thieves, Dark Lady, Half-Bread... y como presentadora con uno de los programas más vistos de América, The Sonny & Cher Comedy Hour.

Tras su divorcio de Sonny en 1975 su carrera se volvió muy irregular y comenzaron los altibajos personales y profesionales con la publicación de discos de perfil modesto. Sin embargo consiguió centrarse en el cine durante los 80 con gran éxito de crítica en películas como Silkwood, Máscara, Las brujas de Eastwick, Sospechoso o Hechizo de luna, con la que consiguió el ansiado Óscar a la mejor actriz.



En el terreno musical tan sólo el álbum Heart Of Stone de 1989 le había devuelto el prestigio como cantante con los éxitos If I Could Turn Back Time, After All o Just Like Jesse James pero para entonces se hablaba más de Cher por sus constantes operaciones de cirugía estética, sus sonados romances con actores y músicos mucho más jóvenes que ella y su aparición en anuncios de televisión promocionando los más variopintos productos. Tuvieron que pasar 9 años para que Cher se reinventara y volviera con más fuerza que nunca al panorama musical.



Su discográfica, Warner Bros., le pidió un disco completamente dance, debido al escaso éxito en Estados Unidos de sus últimos álbumes, que tenían una línea pop-rock. Cher comenzó a trabajar en el álbum Believe en el verano de 1998 con los productores Mark Taylor y Brian Rawling.

El demo del tema que daría título al disco, llevaba meses circulando por la discográfica pero nadie quería grabarlo. Mark Taylor decidió conservar el coro y rehacer el resto, por lo que el corte final está compuesto nada menos que por 6 autores diferentes: Brian Higgins, Matt Gray, Stuart McLennen, Tim Powell, Steve Torch y Paul Barry. Believe se caracterizaba por una distorsión en la voz de Cher que le daba un toque casi robótico. El sonido se hizo muy popular y numerosos artistas lo han imitado desde entonces, pasando a la historia musical como el efecto Cher.



El single llegó al #1 en 23 países, incluyendo Estados Unidos, Canadá, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Italia, Suecia, Dinamarca, Suiza y España; convirtiéndose en el mayor éxito de su carrera. También estableció nuevos récords en el mercado norteamericano: artista de más edad -52 años- en llegar a lo más alto de las listas de Billboard y solista con mayor lapso de tiempo entre dos números #1, pues el anterior databa de 1974.

El álbum incluyó también 3 canciones de la famosa compositora Diane Warren, Takin' Back My Heart, The Power y una versión de Love Is The Groove, grabado originalmente por la cantante británica Betsy Cook para su álbum The Girl Who Ate Herself (1991). Cher ya había interpretado temas de Warren en sus discos Heart Of Stone y Love Hurts.

El grueso del disco está compuesto sin embargo por el tándem formado por Mark Taylor y Paul Barry, y en él destacan también los temas Strong Enough, Dov'è L'Amore y All Or Nothing, todos ellos con gran repercusión en las listas dance de todo el mundo. El álbum cierra con un remix del tema We All Sleep Alone, coescrito por Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora para el disco Cher (1987).



Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 20 millones de copias y está considerado uno de los 10 discos más vendidos por una solista femenina. Fue certificado 7x platino en Canadá, 5x platino en Europa, 4x platino en Estados Unidos, España y Dinamarca, 3x platino en Irlanda, Suecia e Italia, 2x platino en Austria, Nueva Zelanda, Suiza, Alemania, Reino Unido, Australia y Francia, Platino en Argentina, Noruega, México, Bélgica y Hungría.

Del single Believe se despacharon más de 10 millones, siendo uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Fue certificado Diamante en Francia, 7x platino en Reino Unido, 3x platino en Estados Unidos, Australia y Suecia, 2x platino en Noruega, Platino en Austria, Holanda y Suiza y 5xOro en Alemania. En 1999 recibió el premio Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance.